DVD BluRay

Montag, 27. Juni 2016

India x 5 - Of Kites, Pigs, Thieves, Dysfunctional Families and Chess Players

~ by Arsaib Gilbert 

(Arsaib Gilbert is a film critic contributing to Yam-Magazine and filmlefou.com. He lives in New York.)


 

Patang (Prashant Bhargava, 2011)

An impressionistic collage of visions and emotions, Patang (The Kite), similar to the city symphony films of the silent era, employs a lyrical, quasi-documentary approach in its portrait of daily life within a metropolis while capturing the pulse of the setting through its fractured visual and montage techniques.

Loosely structured around a Delhi-based businessman's long-delayed visit back home to his family in old Ahmadabad, the film is appropriately set during the city's annual kite festival, herein symbolizing the precarious, indeterminate nature of life and relationships.

Debutant feature director Prashant Bhargava, a Chicago-born multimedia artist of Indian descent who passed away in 2015 at the young age of 42, seldom veers toward the indulgent as he strikingly forges his fragmented aesthetics from the bustling chaos of the surroundings.

To his credit, he doesn't overlook the fleeting gestures and expressions of his talented cast—including the great Nawazuddin Siddiqui, appearing in his first prominent film role.




Fandry (Nagraj Manjule, 2013)

For much of the first three-quarters of its duration, Fandry ("Pig"), a Marathi-language Indian film about caste-based discrimination, behaves in a surprisingly polite, restrained, even tasteful, manner. Framed as a chaste, unrequited love story between a dark-skinned lower-caste Dalit teen and a lighter-skinned upper-caste girl from the same rural school, it exhibits many of the trademarks of middlebrow arthouse cinema through its tone, pacing, visual-style, use of symbolism.

And then what turns out to be the final sequence begins, taking up nearly 25-minutes out of the film’s 100-minute running-time, in which, as per orders, the boy and his family relentlessly chase a wild pig through the village, with the boy initially doing everything he can to avoid being seen by his beloved. It is a remarkable episode, a film in and of itself, that boldly embodies the social, political and emotional implications of discrimination, and it does not let the audience off the hook of its own responsibilities.

Written and directed by Nagraj Manjule (b. 1977), a Dalit himself, this Indian National Award winner for Best Debut feature, much like its protagonist, ultimately proves to be a simmering volcano of grief and rage.




Kapoor & Sons (Shakun Batra, 2016)

If Karan Johar’s Dharma Productions is emblematic of Bollywood filmmaking, then, despite the worst efforts of house directors Karan and Punit Malhotra, it is finally coming of age. Although the company's two offbeat collaborations with Anurag Kashyap’s Phantom were neither artistically nor commercially successful, credit goes to Johar for putting his weight behind a film such as The Lunchbox (2013), and now producing one that, at least in the Bollywood context, feels as fresh as the morning dew.

Shakun Batra’s second feature, Kapoor & Sons (Since 1921) — lamentably, I haven’t seen his 2012 debut, which also involved Dharma — may partly owe its dysfunctional family template, not to mention its fluid camerawork and editing, to American independents of the recent past, but it’s sharper, more affecting, has a better sense of tone and rhythm than most such films I’ve seen lately.

Beautifully performed by its ensemble cast, this engrossing and bittersweet effort joins a small group of new mainstream movies — Shuddh Desi Romance (2013), Haider (2014), NH10 (2015), Dil Dhadakne Do (2015), Tamasha (2015), to name a few — attempting to push Bollywood in new directions.




Visaranai (Vetrimaran, 2016)

The first Tamil-language film to ever compete at the Venice International Film Festival, where it had its world premiere in 2015 in the Orizzonti sidebar, Interrogation (Visaranai) is the most visceral and multilayered portrait of police corruption and brutality I’ve seen since Pablo Trapero’s El bonaerense (2002).

Directed with blunt conviction by Vetrimaaran, a relative newcomer who made his feature debut in 2007, this true-life story deals primarily with the nightmarish predicament of four young migrant workers from the Indian state of Tamil Nadu.

Although at times excessively violent, the otherwise admirably single-minded first half meticulously depicts the savagery the quartet suffer at the hands of an indifferent and racist group of cops hell-bent on extracting a false confession about a high-profile robbery in Guntur, Andhra Pradesh, the evidently more prosperous neighboring state where they’ve come to work.

Any moments of kindness experienced by the victims make the cruelty that much more acute, and vice versa. The setting shifts to another police station in the second half, this time in their home state, where the helpless unwittingly end up becoming pawns in a larger, and more vicious, game of power and authority.

Similar to the Trapero film, this raw, gripping, unnerving piece of work ultimately reveals many of its characters as byproducts of a cancerous system that doesn't think twice about eating its own.



The Chess Players (Satyajit Ray, 1977)

The Chess Players (Shatranj Ke Khilari) is perhaps the most prominent example of Satyajit Ray’s more measured and objective approach to political subject matter. This is in stark contrast to the related work of many of Ray’s regional Indian counterparts who, especially during the late sixties and seventies, were often radical and confrontational in their methods. Ray, in this particular case, even has trouble mustering up much anger toward either Wajid Ali Shah (Amjad Khan), the tenth and last Nawab of Awadh who evidently spent more time pursuing sensual pleasures than attending to state matters, or James Outram (an excellent Richard Attenborough), the manipulative, culturally insensitive British General attempting to annex Awadh without any bloodshed on what turned out to be the eve of the Indian Rebellion of 1857. If anything, Ray is sympathetic to Shah due to his patronization of the arts (the character faintly echoes the protagonist of Ray’s 1958 The Music Room).

It’s worth noting that Ray expanded both of these characters considerably from the source, Munshi Premchand’s short story of the same name, which focused almost entirely on the titular chess players (Saeed Jaffrey and popular star Sanjeev Kumar). Thanks to Ray’s deft use of the game as a metaphor for larger political machinations, this thread involving a pair of apathetic, chess-obsessed noblemen more concerned about locating the right place to indulge in their passion than any personal or political upheavals is seamlessly integrated with the other. Their largely irrelevant and frivolous banter helps carry the gently satiric tone of the film set by the prologue in which Ray inventively employs a number of visual forms to offer a brief history of the place.

The Chess Players was the most expensive film Ray ever made (despite the detailed and lavish sets the film doesn’t turn into a “costume drama”), not to mention his only feature not in his native language of Bengali. It features a wonderful cameo by then-newcomer Shabana Azmi as the neglected wife of one of the nobles.

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Freitag, 24. Juni 2016

Tamasha - Der Zauber in Dir (Imtiaz Ali, Indien 2015)

 

Warum immer dieselbe Geschichte erzählen? So steht es auf dem indischen Filmplakat dieser Romanze von Imtiaz Ali, und das gibt schon sehr schön vor, wohin es in Tamasha geht. Denn die Tagline ist zudem durchaus auf einer Meta-Ebene zu verstehen. Der Film erzählt eine Liebesgeschichte, so wie wir sie kennen und hunderte Male bereits gesehen haben – aber neu, er bricht sie auf, wiederum durch eine Geschichte, die -als fake- die eigentliche wahre Geschichte des Geschichtenerzählers ans Tageslicht bringt. Aber um weniger theoretisch zu bleiben: zwei Menschen begegnen sich auf Korsika – und aus einer Laune heraus, weil das ja langweilig wäre, beschließen sie, fiktive Biographien anzunehmen und alles zu tun, auf was sie Lust und Laune haben. Es soll auch ausdrücklich viel geschwindelt werden. Nur: die wirklichen Namen und die Biographie bleiben unbekannt, und das ist dann so wie beim Karneval: „was in Korsika geschieht, das bleibt in Korsika.“ Augenzwinkern. Ved, gespielt von Ranbir Kapoor, wird beispielsweise zu "Don", dem fiktiven, mega-coolen indischen Geheimagenten, dem Shah Rukh Khan in bereits drei Sequels ein Gesicht gegeben und ins kollektive indische Bewußtsein gehievt hat. Sie (als Tara, gespielt von Deepika Padukone) wird zu Mata Hari – und was soll man sagen: sie fühlen sich befreit von allem Ballast, den das konventionell-gesellschaftliche Dasein einem auferlegt. Mit allen überflüssigen Sprachhülsen und Abläufen. Sie verbringen glückliche (und auch hemmungslose) Tage miteinander, und als Tara ihren Pass wiederbekommt – sie hatte ihre „Identität“ sprichwörtlich verloren – reist sie wieder nach Kalkutta und zurück in ihr altes Leben. Allein, sie kann sich mit ihrem Dasein als Businesswoman nicht mehr anfreunden. Ved geht ihr nicht mehr aus dem Kopf, und also beschließt sie, ihn in Delhi aufzuspüren.

Imtiaz Ali hat nun nach einigen Liebesfilmen (z.B. auch in unseren Breiten bekannt: Jab We Met (2007)) gezeigt, dass er zu ungewöhnlichen Ausflügen bereit ist. Denn seine Filme haben immer etwas Ungewöhnliches, Brüche und neue Ansätze, die man mit klassischem Romantikkino aus Bollywood nicht unbedingt assoziieren würde. Oder man denke nur an den aus jedem Ruder laufenden Rockstar von 2011. Besonders augenfällig dann im gedämpfteren aber wirklich großartigen, verstörend schönen Entführungsdrama Highway (2014), der auch auf der Berlinale lief und international breite Anerkennung

Auch Tamasha beginnt bereits radikal: auf einer Theaterbühne wird ein futuristisch-retro-dilettantes Theaterstück aufgeführt, bei dem uns ein roboterhafter Pappmaché-Ranbir erzählt, dass das Leben ganz allgemein aus ausgelutschten Routinen besteht und wir alle zu Erfüllungsmaschinen einer entmenschlichten Gesellschaft geworden seien. Also wolle man das Leben einmal anders betrachten: was wäre, wenn die ganze Welt eine Bühne wäre, auf der sich alles abspielen könnte, nach dem sich die Menschen sehnen! Und einen Schnitt weiter sind wir bereits in der Jugend des Erzählers Ved angekommen, wo er als Junge zu einem Einsiedler hinauswandert, der ihm für kleines Geld immer wieder eine neue Geschichte erzählt. Dieses Geschichtenerzählen, das immer die Chance auf einen neuen Weg, eine (andere) Möglichkeit der geglückten Lebensführung beinhaltet, wird den Jungen niemals loslassen – und viel später dann, wenn er sich für alle verbogen haben wird (besonders für seinen Vater, der ihm stets ein ausgesucht schlechtes Gewissen zu machen versteht), da braucht es eine Mata Hari, die ihm zeigt, dass er mehr ist als nur ein durschnittlicher Typ mit einem durchschnittlichen Job und durchschnittlichen Bedürfnissen. Hier also die Romanze, und der Mechanismus dieses Genres verhindert dann natürlich erst einmal das Zusammenkommen und Glücklichsein der Protagonisten; bevor man über Umwege und Lektionen, die das Leben erteilt, bereit ist, selbst die Dinge in die Hand zu nehmen und aufs gemeinsame Glück zuzumarschieren.

Beinahe überflüssig zu erwähnen, dass Ranbir Kapoor und Deepika Padukone wunderbar zusammen harmonieren, wirklich großartig spielen und auch die Musik von Komponist und Multi-Instrumentalist A. R. Rahman wieder einmal unfassbar toll ist. Er hat schon mit allen Größen zusammen gearbeitet, von Mani Ratnam, über Deepa Mehta und Subhash Gai, Shyam Benegal und Ashutosh Gowariker bis eben hin zu neuen Hoffnungsträgern wie Imtiaz Ali. Dessen Filme, das wird mit jedem neuen Film deutlich, lassen sich nicht so einfach klassifizieren, sie entziehen sich einfachen Schubladen und wagen auch strukturell neue Wege im Hindi-Kino. Alis Helden sind dabei selbst Suchende, Träumer und Wanderer, die ihren Platz in der Gesellschaft nicht gefunden haben und auch den nicht akzeptieren wollen, der ihnen vorgeschrieben wird. Imtiaz Alis Filme sind also sowohl von ihrer Handlung, als auch von ihrer Machart her, Grenzgänger des Mainstream-Kinos, die sich nicht vereinnahmen lassen und ins Neue, Offene und Freie streben. Schön, dass wir der Entwicklung dieses Regisseurs beiwohnen dürfen und herzzerreissend, dass dabei solche Filme wie Highway und Tamasha entstehen.

Zur DVD-Veröffentlichung:

Die DVD ist gerade bei Rapid Eye Movies erschienen und kommt in der Erstauflage mit beidseitigem Poster. Außerdem finden sich neben den Songs noch der Trailer und etwa 25 Minuten Deleted Scenes auf der Disk. Die deutschen Untertitel des Hindi-Original-Tons sind ausgezeichnet. Außerdem liegt der Film in deutscher Synchronisation vor. Eine Blu-ray-VÖ ist ebenfalls im Handel verfügbar. Alles in allem: eine rundum zufriedenstellende Veröffentlichung.



Michael Schleeh

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Samstag, 18. Juni 2016

Neerja (Ram Madhvani, Indien 2016)


Sonam Kapoor spielt die indische Stewardess Neerja Bhanot, die es mit ihrem heldenhaften Verhalten bei der Flugzeugentführung in Karatchi im September 1986 zu einigem Ruhm gebracht hat, als pakistanische Terroristen den Pan Am Flug Nr. 73 entführten. Obwohl etliche Passagiere ihr Leben verloren, hat sie es mit ihrem mutigen Einsatz geschafft, Hunderten von Menschen das Leben zu retten - nur um dann tragischerweise das eigene zu verlieren. Seither wird Neerja Bhanot wie eine Heilige verehrt und gilt als großes moralisches Vorbild in Indien. NEERJA ist nun die Verfilmung dieser Ereignisse und zugleich - in Ansätzen - ein Biopic über seine Heldin. Und obwohl Sonam Kapoor bislang nicht gerade als Charakterdarstellerin bekannt geworden ist, meistert sie ihre Rolle doch sehr beachtlich. Besonders in den immer wieder eingestreuten Flashbacks, die wirklich großartig in den Film eingepflegt wurden, die den Charakteren den notwendigen Hintergrund geben und sie mit glaubhafter Tiefe ausgestalten, kommt der Zuschauer auch den Figuren emotional näher, als der generische Thriller-Plot zunächst vermuten lassen würde. Da wird auf Neerjas Beziehung zu ihren Eltern eingegangen, zu ihrem Beinahe-Freund, den sie aber immer noch auf Distanz hält, da sie gerade erst aus einer Ehe geflohen ist mit einem Mann, der sie auf verschiedene Arten missbraucht und terrorisiert hat. Dies eine arrangierte Ehe durch ihren Vater, der sich vor Schuldgefühlen windet, als er seine Fehleinschätzung nicht mehr leugnen kann. Großartig auch Shabana Azmi, die Neerjas Mutter spielt, mit einer Souveränität und feinen Grandezza, die aus der Stärke ihres Charakters kommt, und die sie wie von innen zum Leuchten bringt. Ihre ganze schauspielerische Kraft zeigt sich dann spätestens ganz am Ende: da wird es dann auch der letzte Blinde mitbekommen, als sie vor der versammelten Trauergemeinde eine Rede für ihre verstorbene Tochter hält, und die Kamera mehrere Minuten lang ausschließlich sie im Bilde einfängt. Ein großartiger Monolog, fantastisch gespielt.

Weniger gelungen allerdings - neben einigen Momenten der Darstellung der völlig amateurhaft agierenden Polizei- und Sicherheitskräfte, wie auch der Piloten, die die Flucht ergriffen haben (da hat man wohl wieder ein paar Touristen von der Straße weg gecastet), die völlig überfordert und hilflos reagieren - ist die Musik. Häufig dramatisiert sie die Ereignisse etwas zu sehr, vor allem in den Thrillermomenten während der Entführung selbst. In den ruhigen Passagen jedoch wird zumeist der richtige Ton getroffen, zurückhaltend, leicht melodisch oder rhythmisch pulsierend wie ein Herzschlag, der dem Film einen eigenen Bio-Rhythmus zu geben scheint. Die eine oder andere kleine Melodie, die sich auch mal zum Song formen darf (aber kein Song & Dance nirgends, nur einmal ein klein wenig bei einer Party auf einem Kinderspielplatz), setzt sich durch. Insgesamt ist die agile Kamera, die nicht zu verwackelt ist, dicht an den Personen dran, und fängt vor allem in den Stadtbildern und in den Flashbacks äußerst atmosphärische Bilder ein.

Dass man am Anfang schon weiß, wie es am Ende ausgehen wird, tut dem Filmgenuss keinen Abbruch. Mehrere kleinere Detailereignisse überraschen immer wieder den Zuschauer, und die kurzweilige Szenenfolge verleiht dem Film generell ein recht hohes Tempo. Und dann natürlich noch die Ereignisse der Entführung selbst: vier radikale Palästinenser, Mitglieder der terroristischen Organisation Abu Nidal (einer Splittergruppe der PLO), stürmen die Maschine, die in Karatchi zwischengelandet ist, um sie nach Zypern umzuleiten und somit zu entführen. Ziel ist es, verschiedene Kumpane, die in Gefängnissen einsitzen, freizupressen. Dass die Piloten als erste flüchten und das Flugzeug, ihre Crew und ihre Passagiere zurücklassen, ist eine Katastrophe für die Entführer, da sie nun am Boden gefangen sind. Außerdem kann Neerja ihre Pläne durch geschicktes Taktieren immer wieder durchkreuzen und sabotieren. Dadurch gewinnt sie Zeit und kann Konfrontationen hinauszögern, sogar Unfrieden in der Gruppe der Entführer stiften, die keineswegs so homogen und zielstrebig skrupellos ist, wie man das zu Beginn annehmen würde. Eben daraus gewinnt der Film auch einen großen Teil seiner Spannung, wie Neerja es immer wieder gelingt, den Entführern ins Handwerk zu pfuschen. Der Film gerät dann eigentlich zu einem Kammerspiel, das zum Zerreißen gespannt ist. Wie der Sprengstoffgürtel, den die Terroristen an Bord geschmuggelt haben, und all die Waffen, mit denen sie schließlich die Passagiere zu erschießen beginnen, als auch der letzte Funken Geduld aufgebraucht ist. Denn die ganzen Spezialisten, die draußen in sicherem Abstand debattieren und Pressekonferenzen abhalten, sind nicht dazu in der Lage, in dieser Situation souverän zu handeln. Doch das Problem löst sich nicht von alleine. Wie dieser äußerst spannende Film eindrücklich zeigt.

Michael Schleeh

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Montag, 13. Juni 2016

Shaandaar - Schlaflos verliebt (Vikas Bahl, Indien 2015)


Liebeswirren im Prinzregentensaal

Es ist eine Geschichte der Irrungen und Wirrungen, dabei eine leider allzu profane. Es geht - mal wieder - um eine Hochzeit: Die Königskinder zweier indischer Unternehmerdynastien sollen miteinander verheiratet werden. Das Dumme ist nur: Sie ist ihm zu dick, er ist ihr zu doof. Was sie an Pfunden zuviel hat, ist er an Gehirnzellen zu schlank. Darüber kann auch nicht der Sixpack hinwegtäuschen, den er den gesamten Film über ausstellt. Oder besser: Six-and-a-half-Pack, wie er einmal stolz im Film meint, da es der Hedonist nun geschafft habe, noch eine weitere halbe Muskelrolle seinem gestählten Körper anzutrainieren. Der Vater ist nicht weniger debil: Stets fuchtelt er mit einem goldenen Revolver umher und reißt generell wichtigtuerisch die Klappe auf. Und so überzogen das nun scheint, so ist es auch. Man fühlt sich wie in einem Zirkus, bei dem überall Manege ist. Alles Pailletten und immer Ramtamtam.

Oder wie in Downton Abbey, Staffel 1, der Fernsehserie aus England. Auch dort werden zwei verheiratet (zwei Adlige, die sich allerdings nach und nach lieben lernen) - und passenderweise rettet man derart auch noch das bankrotte Anwesen vor dem Ruin. In "Shaandaar" befinden wir uns ebenfalls im nördlichen England (ob auch in Yorkshire weiß ich nicht, es sieht zumindest genauso aus), in einem Downton Abbey frappierend gleichenden Anwesen (allerdings plus Disneyisierung und Zuckerwatte, mit noch mehr Türmchen und Lichterketten und manchmal pinkfarbenen Dächern), und die Hochzeit soll den Untergang abwenden. Die eigentlichen Hauptfiguren allerdings sind das von Alia Bhatt und Shahid Kapoor gespielte Außenseiterpärchen, sie die Halb-Schwester der Braut, Alia, er der charmante Wedding-Manager JJ, mit dem einige Konfusion hervorrufenden Namen Jagjinder Joginder. Der Film nun macht vor keinem Kitsch halt, und stellt seine infantile Cartoonisierung enthemmt zur Schau. Außer verschiedenen schwachbrüstigen Animationssequenzen, die stark in das Reich der Fantasie hinüberspielen, werden verschiedene Gefühlszustände - wie so häufig im Bollywood-Masala-Kino - durch instant Visualisierungen anschaulich gemacht. Als sich die beiden verlieben etwa, braust plötzlich ein Comic-Flugzeug durch den Bildkader und fliegt zwei Herzchenschleifen, verschiedene Glitzermomente werden mit künstlichem Sternchenregen garniert, ein befreiend luftiges Gefühl lässt die gestickten Kolibris von Alias Kostüm auffliegen, als wären es echte Vögel. Was bei S.S. Rajamoulis sagenhaftem Epos "Baahubali" der Höhepunkt einer märchenhaften Stilisierung ist und wie nur konsequent den Sprung des Helden über die Untiefen des Wasserfalls bildmagisch versinnbildlicht, gerät in "Shaandaar" zur kitschigen Impulskapriole eines sich auf das Dekor beschränkenden Films. Denn der modus operandi der Erzählstrategie ist einzig und alleine die Ironie.

Ohne diese Ironie, die aus dem Film in jeder Szene quillt, wie der Rauch einmal aus Großmutters Ohren, puff puff, wäre "Shaandaar" nicht "Shaandaar" geworden. An diesem Film kann man nichts ernst nehmen, weil nichts ernst genommen werden will. Ein Auftauchen aus diesem Abgrund an Belanglosigkeit ist eigentlich nur an einer einzigen Stelle festzustellen, in einem kurzen Moment, in dem man dann den Film uneingeschränkt leiden mag: Es ist eine Song and Dance-Szene kurz vor Ende, in der alle Anwesenden für die übergewichtige Braut einstehen, ihre menschlichen Qualitäten hervorheben, die sie zweifellos hat (auch wenn sie wenig mehr tut als nett zu Lächeln in diesem Film), und dabei den sich auf oberflächliche Lendenreize beschränkenden Beinahe-Gatten so richtig vors Knie zu treten. Würde man sich bei dieser moralischen Keule etwas weniger so vollkommen auf der richtigen Seite fühlen, wäre die Angelegenheit noch schöner; aber viel mehr Komplexität ist hier leider nicht drin. Die IMDb-Wertung, bei der ich generell eher vorsichtig bin, sei hier für einmal zur Referenz erwähnt. Der Film hat gerade mal knapp über 3 Punkte (von zehn) eingeheimst. Da ist es vielleicht angebrachter, auf Abhishek Chaubeys upcoming "Udta Punjab" zu setzen, auf den von Anurag Kashyaps Phantom Films produzierten Drogenthriller, der gerade bei der indischen Zensurbehörde mächtig Wellen schlägt. Denn dort treffen Shahid Kapoor und Alia Bhatt erneut aufeinander.

Michael Schleeh
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Freitag, 3. Juni 2016

Nippon Connection 2016: Ken and Kazu (Hiroshi Shoji, Japan 2015)


Der Konflikt, der in KEN TO KAZU das Leben der Hauptfiguren ruiniern wird, ist der Spagat zwischen dem Lebensentwurf des kriminellen Kleingangsters und dem einer bürgerlichen Existenz. Als Saki schließlich schwanger wird, setzt sie ihren Freund Ken mächtig unter Druck: endlich mit Kazu zu brechen und ein ordentliches Leben zu beginnen. Etwas, was Ken ihr wohl schon mehrfach versprochen hat, aber anscheinend nicht einhalten wollte. Die Spuren seines unsteten und kriminellen Lebenswandels werden ihm während des Films mehrfach entlarvend ins Gesicht geschrieben: Kratzer auf den Wangen, eine blutige Nase, Schwellungen und blaue Flecken von Prügeleien. Und so muss sich Ken entscheiden, ob er eine Familie gründen und es bei den Einkünften aus seiner Autowerkstatt belassen will, oder ob er dem ständigen Drängen des penetrant grenzüberschreitenden, brutalen Kazu nachgibt und weiterhin Drogen verhökert. Doch Ken kommt nicht gegen ihn an, er wirkt eingeschüchtert und scheint zuviel Angst vor seinem Kumpel zu haben, um auszusteigen. Wahrscheinlich ist Ken im tiefen Innern einfach nur ein zu netter Kerl für ein derartiges Gegenüber. Selbst dann, als Kazu den eigenen Boss hintergeht und Ken vor den harten Sanktionen Panik bekommt, die sie erwarten, falls die Sache auffliegen sollte. Sein schlechtes Gewissen gegenüber Saki verhindert allerdings auch in dieser Hinsicht, dass die Wahrheit ans Licht kommt - und so ist die Gefahr groß, dass Ken am Ende mit gar nichts dasteht.

KEN AND KAZU ist ein reiner, geradezu klassischer Indie-Genre-Film, wie man ihn sich schöner kaum vorstellen kann. Hervorgegangen aus einem Kurzfilmprojekt, geschossen mit wackliger Handkamera und in grobkörnigen Bildern, ist es ein Film, der die Kraft und Energie der frühen Filme Shiya Tsukamotos oder Takashi Miikes atmet. Der Film ist rauh, schnell, brutal und zärtlich zugleich. Die Schauspieler sind mit Herzblut bei der Sache, das ist offensichtlich. Er legt den Fokus auf die zwischenmenschlichen Konflikte und macht damit nur bedingt Neues. Das scheint aber auch nicht das Ansinnen zu sein, sondern er setzt eine der Traditionslinien im japanischen Gangsterfilm fort, die im Independent- und Direct-to-Video-Bereich fußt, und die seit gut 10 Jahren völlig vernachlässigt wurde; da die ehemaligen Heroen entweder zu respektierten Regisseuren mit mehr Budget aufgestiegen sind, oder sich anderen Themen zugewandt haben, die mehr in den künstlerischen Bereich hineingehen. KEN AND KAZU könnte man also sehr gut als Retro-Revival-Film bezeichnen, auf eine erfrischende Art sogar, da ihm die ironischen Meta-Witzeleien ähnlicher Filme völlig abgehen. Dieser Film ist erst gemeint und grimmig von vorne bis hinten. Wenige Momente der Idylle, etwa in einer imaginiert weichgezeichneten Familienszene, stehen im krassen Kontrast zur filmischen Realität, die sich in Nebenstraßen, Industriegebieten und Frachthäfen abspielt, bevorzugt bei schlechtem Wetter und in der Nacht. Dazu: bitte immer Zigaretten rauchen.

Der Film stellt der japanischen Gesellschaft kein gutes Zeugnis aus, gleichwohl wir uns hier in einem relativ abgeriegelten Genre-Kosmos befinden. Ein Ausbruch aus diesem Dilemma scheint völlig unmöglich. Das freilich schon lebensbedrohliche Züge angenommen hat. Die einzige Möglichkeit, gut aus der Sache wieder rauszukommen, dürfte nur über die vollkommene Vernichtung des Gegners funktionieren (welche die eigene Position noch zusätzlich kompromittiert). Anschlußstellen zu einem normalen Lebenweg scheinen kaum zu existieren, weshalb er sich auch von seiner Freundin so stark entfremdet hat. Und da fügt sich der Film dann wieder gut ins restliche Festivalprogramm ein, in dem sehr häufig der Abgesang auf eine erodierte japanische Gesellschaft angestimmt wurde. Bis hin zu ihrer völligen Auslöschung in Sion Sonos Dystopie THE WHISPERING STAR (Podcast). Und so hat KEN AND KAZU, dem die völlige Über-Stilisierung eines GONIN SAGA fehlt (Review), eine ästhetische Haftung im Realismus, die dann doch sehr viel mit der/unserer Gegenwart zu tun hat. Auch wenn die Gesellschaftskritik weniger explizit ausgesprochen wird, so ist sie doch das implizite Fundament, auf dem der gesamte Film ruht. Und an der er sich letztendlich reibt, bis der Beton knirscht oder der Wangenknochen birst. Ein toller Film in der Sektion Nippon Visions - und einer, nach dem sich die Augen offenzuhalten lohnt.

Michael Schleeh

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